国画中关于竹的诗句

编辑:网络 2020-09-16
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摘要:中国绘画的发展起源于线描,国画中的线性就是指的线描,但随着绘画的不断演进发展,写意画被认为体现了中国人文绘画中更多的中国哲学精神与情怀。从这两点出发浅要分析了这两种绘画表达方式的区别。没有一种艺术形式是被界定为必须如此或只能如此,在这种导向下,学习更多的绘画方式,明白其原理是为了找到更多的绘画出路。

关键词:国画;线性;非线性

国画素描的练习主要以线描练习为主,它是基础,也是造型训练的重要方式。引用蒋兆和老先生的一句话,“线描——即发挥线条造型的复杂变化,解决造型的骨干问题。即骨法用笔,以形写神。”正因如此,我们才有必然将线性素描当做一种科学的对造型训练的基本方法进行学习。其主要特点是强调以线为主,注重转折承接的表现方法,有的放矢,从形体结构出发,不为光影所左右,将主要精力放在物象内在结构的研究上,而不必拘泥于细枝末节上。

由于之前对于素描的练习大多停留在全因素素描上,在学习国画之后被要求更多的练习线描时,多有不适应,不理解线性素描,更不知道要怎么画。这时大师成了我最好的老师。当我在翻阅大师的经典图册,如荷尔拜因、丢勒、席勒等时,虽然他们是西方的画家,和我们在文化背景上有差异,但艺术上却是无国界的,在用线上给我许多启示。在看到大师们了不起的素描速写时,我才发现绘画对于作者来说更多的是个提炼创作的过程而不是面面俱到的描绘。他(她)们通过一笔一勾一画就能把想要表达的表现出来,无疑使画面更加的清晰简洁明了并充满形式美感。而在国画中用毛笔直接勾勒也是中国画捉形的基本方法,并形成中国画的主要特点,故中国画家历来重视和崇尚用线。中国的线不仅有其较强的表现力,更有其独特的审美价值。如“曹衣出水”、“吴带当风”、“春蚕吐丝”、“行云流水”等。《朝元仙仗图》和永乐宫三清殿的壁画,那富有节奏感的线的韵律美和线的形式美,更是其他艺术形式难以产生的。这些都地不断启发着我对于线性素描的认识。绘画对于一个人来说多半是认识对象、体验对象的过程。比如,我在前一段时间的人体写生课中就试着一边读画一边写生创作。这样的创作过程减少了重复写生的单调,增加了单纯创作的想象力,提供了更多的创作思路,帮助我们学习与丰富画面语言。有时候我通过练习还发现一条线,可以是单调重复,无生机无意义,也可以组织面与面的组合,暗示形体与形体之间的关系。例如,把“人”作为绘画对象时,他(她)们都是立体的,那所谓的“线性”只是我们通过外部环境及对他们的观察体验的方式提炼出来的。用什么样的方法去观看、去察觉,体验强调的是自身的感受。这里提醒我们通过主客观结合起来看待对象,毕竟任何一件艺术作品都是添加了作者丰富的个人情感。绘画的方式千万种,为了更好的研习国画,我们的接触范围需要更大的延伸。接下来我们就来分析一下国画中的“非线性”。

我们要讨论的“非线性”可以理解为是中国画中的大写意泼墨画即一种绘画语言。从伏羲画卦仓颉造字中我们得出了书画同源的结论,而中国画里的大写意正是以草书入画,体现了中国人独特的造型观和境界观。我们可以把它看做是放大放粗了的笔墨线条,也可以理解为是画家关于对象的另一种理解方式。其中体现了有我与无我的写意精神。

“写”即抒发书写,“意”即内心感悟。“写意”就是抒写内心情感,以表达内心感受为主,不着重物理表象的真实再现。大写意画重精神,这种精神既是画家个人的个性,也是与天地精神相往来的大自由和大解放。而大写意画的本质,正是敢于超越客观物象世界,表现人的精神和宇宙之情,是一种生命的自觉。

当我跟随导师学习写意画的时候,这种体验是尤为深刻的。我们从看到的物象到创作作品已经不是简单的描绘对象,更多的时候我们需要把自己的主观感受加入进来,置身在一个我们想要表达的空间里。对象已成为我们借用的一个形象,我们只是在借用他的衣着环境、形象特征、造型特点等等来帮助我们表达,达到创作的终极目标。在技法上来看,笔情墨趣也是很讲究很能体现作者心境的一方面。用笔的笔意、笔势、笔力、笔法,用墨的清、润、沉、和等等都是需要我们在操作中非常讲究的地方。这些无疑不反映了作者在绘画中的思想活动。而能够把技术与思维活动结合统一和谐的表达出来,才是写意画的精神所至。

国画中绘画语言的表达方式永远不是最重要的,重要的是表达什么。也就是说我们既可以通过“线性”的方式白描对象,也可以通过大写意的方式丰富对象,更多的加入主观情感。又可以将两者结合兼工带写来充分表达你想要传递给观者的感受。或许还有更多的方式有待我们去研究发现创造。这样我们在绘画中就不用受到形式的束缚,可以把更多的精力放置在绘画本身和对象的共鸣上。

一、不似之似的形成与发展

初始期,中国画画面的不似之似的特征有其渊源而繁复的发展历程。从上古到魏晋是不似之似的初始期突出似。夏商时兴起的人物画是推行教化的工具,一种纯客观性直露而无味只是单层次的以形写形。至晋代人物画日趋成熟,顾恺之第一次明确提出了绘画重在传神写神通神,他评画更是以神为中心强调物之神即不似。山水画论中,南朝宋的宗炳受道佛影响提出物神以外的宇宙之道是一山一水之性灵,是以山水之灵通宇宙之道。那么为人画像或画人物画当然也必须以传神为重。顾恺之论画以传神为美也就自然而然了。从此人物画有了正确的道路和目标。接着山水画花鸟画等也都提出传神的标准。传神遂成为中国画不可动摇的传统。至齐梁时代谢赫总结绘画的美学原则树立了六法论的观点基本上是在顾恺之的画论中综合概括提炼而得出的。就是不似之似由人之传神到物之传神又到笔墨传神,传神的不似之似成为中国画的第一要义。

发展期,宋元是不似之似的发展期,突出不似。宋元画重视主体情意的寄予,这源于唐诗的兴盛,以情绪为先以物色留后,景中要有寄寓的情意且受佛禅影响,形成境生于外的理论。宋代文人画论家正是以如此意义的诗入画的,“诗画本一律,天工与清新”,也有“枝干虬内无端倪,石皴亦奇怪,如其胸中盘郁”的浓郁深邃,回味无穷。

苏轼的“论画以形似,见与儿童邻”都因创作实践中画境笔墨的日益丰富而使画家能更好的传情达意至不似。其实传主体之情意和传客体之神是不可分隔的。苏轼在后期曾赞吴道子的画出新意于法度之中,寄妙语于豪放之外,不差毫末。纵观苏轼画论可知他推崇的是文人意志趣味与专业功力兼备的大家正格。联系上下文可知不求形似正是不舍形似。他不求的是毫发无遗的形似追求的有所提炼概括取舍的简洁夸张突出本质的形似,绝非本质的形似。

成熟期,首次提出不似之似的是石涛。“天地浑溶一气,再分风雨四时,明暗高低远近”,不似之似似之。石涛是画论的集大成者,《玉几山房画外录》中还录有石涛题《松图》句云:“画松一似真松树,予更欲以不似似之。真在气,不在姿也。”不似之似有其繁复的渊源在继承宋画的基础上发挥了米芾墨戏的聊以自娱和元画引书入画的挥洒写意;至明清大家的笔墨在章法越发奇奥的同时也兼有经董其昌痛斥浙派纵逸,重平淡质朴。齐白石盛赞石涛诗云教鬼神泣的笔墨正是这种与山川言的化笔,它完备的超越了滞形拘法的似,纵情放意的不似而达到了兼化两者的不似之似是真似。不似之似是中国画造型的最高原则,也是绘画中最为传统的部分,然而形象的不似之似得之于它的思想来源以及画家的修养气度,品德品行多个方面。

二、不似之似的思想来源

作为在场的艺术品和不在场的艺术的本源是相互贯通的,两者横贯于一个中间,中间使两者疏而区分,也使两者一体亲密。这个中间也就是不似之似。

(一)想象。不似之似靠想象而生,绘画之所以不居于技术行列,主要靠心思。依靠目去观察事物,这就需要想象去补充,因而中国画的想象在绘画创作中是极为重要,也是表达出不似之似境界的必要根据。

想象某种真实的东西存在于想象者的思维之中,眼不可见,但想象者如果是画家,便可以把想象的东西画出来,为目所见,但是想象中的事物也不可能也不必都画出来,要以最能表达自己理想情感的一部分入画,使想象中的事物变成目见中的画上事物。通过对生活的能动反映在观念中产生艺术形象的活动以及通过物质材料的运用把观念中的艺术表象外化为实际存在的可为感官把握的艺术形象,即形成艺术作品的创作活动。绘画艺术中是离不开想象的,中国画中的典型特征不似之似更为现实。

(二)迹化。不似之似的思想来源想象反映在画面上即为迹化。中国画的审美标准是自然全美,天地有大美而不言,四时有明法而不议,万物有成理而不说。自然本身就有无限的生命力和表现力,天地为至美,这种美是现成的。所以画家只需跟随自然,本样呈现即可。

三、不似之似的最终目的

画是以神为中心,而不是以形为中心,写形只是为了达到传神的目的,而不似之似的最终目的也是如此。画家通过想象,以现实为基础进行创作,最后达到传神的境界。

(一)传神之境。艺术的优劣等次皆以传神为标准。若以皮相的眼光看,人有胖瘦高矮等外形的区别但这不是人的本质。最早提出传神的是顾恺之,他的《论画》中重视的也是“尊卑贵贱之形”,而不是“服章与众物”。所以如果说一个人的形体是第一自然那么从形体中所显现出来的精神状态气质风度等就是第二自然。只有第二自然才是生动的。但第二自然又是无法具体指陈的,更不可触摸的,只有靠感觉而知。然而人的生命和艺术的生命只能存在于第二自然中,因而传神论的产生标志着艺术已进入自觉阶段而达到传神之境则是画家写形的最终目的。同样也是不似之似的最终目的。

(二)澄明之境。以画家的感觉想象入画,达到传神的境界后,从画中可以看到实际上的事物,还能够看到画家的内心世界,画家的精神气格人品修养这才是不似之似的最高境界。山谷曾经说过:“一丘一壑,自须其人胸次有之,笔间哪可得?”刘熙载《艺概》有云:“学书通于学仙,练神最上,练气次之,练形又次之。”书如此,画亦然。修养精神气格皆藏于人之胸次,画出的作品更加不同。

从画中我们可以看出画家的修养气度,品行德行,同时画家也通过自己的绘画,融入自己的情感,表达自己的思想,传达自己对万事万物的看法,从而进入自己心灵的澄明之境,从而达到了“不似之似”的最高境界。同样画家的造诣越高相对于作出的作品就会气韵天,震撼人心。画家作画也升华为一种更深的境界,即是画家与画匠的本质上的区别。

四、对不似之似的展望

不似之似是中国画传统的一部分,作画贵在似与不似之间。不似之似发展至今已有百年历史,前人在中国画创作方面积累了宝贵经验,不似之似正是前人对中国绘画创作方面的整体精辟的概括。中国画发展至今继承了前人对不似之似的绘画要求,无论是在花鸟或在山水人物方面发展到至今我们不应该只停留在古人对中国画不似之似的理解上,不似之似的传统固然应该继承但在继承传统绘画的同时我想应该同时去思考以下几点:

中国画技法在动画中的运用

来源:《电影评介》2012年第07期

[摘要]中国画的技法对中国动画创作的影响是潜移默化的,尤其是中国画中的“知白守黑”“空中跑马”“密不容针”这三大要素,使我们的动画作品成为了艺术与技术的完美统一。现

下人类正进入“图像的时代”。视觉图象的思维将成为现代人把握世界的重要方式。所以我们要合理的运用中国画元素来推动中国动画的发展。

[关键词]中国画构图动画

doi:103969/jissn1002-6916201207043

动画艺术的疾速发展已经成为与我们的生活密切相关的一种范围广阔而繁复的社会文化现象。美国、日本、欧洲等动画强国对于传统题材的动画片的开发,在其动画产业中占很大的比重,因此中国的动画从传统视觉元素中寻求动画造型设计语言,具有现实的意义。

在中国画中,构图最讲章法。谢赫早在南北朝时就在《古画品录》“六法”中提出了“经营位置”,顾恺之也在《画论》中提到了“置阵布势”,这里的“经营位置”和“置阵布势”其实指的就是如何构图的问题。作为民族画种的中国画应该是中国动画片可依靠、可挖掘和可持续发展的重要创作来源。但目前我国动画片却存在盲目模仿西方作品的现象,缺乏民族原创精神,这就需要我们重新审视传统的文化价值,从中国画中汲取营养,打造民族的动画品牌。在动画中,无论是在前期设计,角色造型,背景设计,还是镜头语言的设计,都可以追溯到中国画技法中去。

一、中国画构图在动画前期和背景设计中的运用

在一部动画片的制作前期,为了明晰影片的创作方向和未来影片的效果,导演会根据剧本结合自己的独特见解,绘制类似连环画的故事台本,也就是分镜头台本给剧组人员观看。由于分镜头台本是对全片关键性画面的呈现,直接影响到后期动画片的拍摄、镜头语言的运用及成片的品质,因此无论从文字脚本,还是到图像都是极其讲究艺术性的,而影响分镜艺术性的一个非常重要的方面就是构图问题,而我们常见的构图方法,如对称式、三角式、S形、Z形、M形、N形,以及“马一角、夏半边”式,甚至“计白当黑”式的构图法都源于中国画的构图。

比如《哪吒闹海》,就糅合了中国传统山水画的技巧,将古代的“经营位置”理念灵活应用在动画背景绘制中,虚实相应、疏密有致,起到很好的烘托剧情气氛的作用。还有中国电影学院的《小兵张嗄》和中日合拍的《三国演义》,其背景的设计都运用了中国画的构图技巧,大大提升了动画片的艺术性。

二、中国画技法对动画片角色造型设计的影响

中国画的形式美在西方油画中的应用

来源:《环球市场》2017年第08期

摘要:绘画是造型艺术中非常重要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形态等艺术语言,通过造型、加色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画的种类很多,从地域上区分,分为东方绘画和西洋绘画,东方绘画主要是中国水墨画,西洋绘画的代表指的是西方的油画。中国画又称为水墨画,其发展历史悠久,在世界绘画领域中独树一帜,是我国绘画体系的主要流派。而西方的油画艺术,对于世界绘画领域的影响是最大的。

关键词:中国画;形式美;西方油画

纵观20世纪的中国美术发展史,就是一部批判、继承本民族的传统艺术文化和吸收、借鉴现代西方艺术思潮的历史,西方现代艺术追求的抽象神似,与中国的书法与写意绘画有着异曲同工之妙,都是对主观精神的表达,而中国画胜在更注视其中的意境深远,与用笔的经营。

1中国画的艺术表现特征

11在工具材料上

中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的,它讲究笔墨,着眼于用笔墨造型。笔又分为硬笔、软笔、兼毫笔,绘画过程中,根据笔的硬度与韧性,绘画的对象特征来选择笔的应用。墨分为油烟墨和松烟墨两种,这两种墨用法不同,作画时一般用油烟墨较多,松烟墨黑且无光泽,多用于书写,绘画中偶尔用其来作黑紫的底色。国画的用纸主要是宣纸和绢,宣纸因其吸水性好,容易渗化,用水一旦稍多就会淹,也正因为宣纸具有这种特性,在国画创作时,画出来的墨色浓淡错落有致,富有变化,能够充分的发挥中国画特有的表现力和笔墨技巧。

12中国画是我国的优秀传统文化

集诗书画印于一体,表现意义深厚含蓄,笔墨技法变化丰富,有着明显的民族化的表现特征。在表现方法上,中国画采用一种散点透视的方法,首先中国画追求神似,这是中国画画家的一项作画准则。在画面的构成上,中国画讲究诗、书、画、印交相辉映,形成独特的形式美与内容美。中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间,而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。山水在我国文人艺术家的心目中一直是一种纯粹而重要的精神象征。人物画是中国画中的一大画科,人物画的创作需要表先出任务的精神气质,提倡“以形写神”。力求表达出任务的个性,逼真传神,形神兼具,气韵生动。

2在绘画中形式美的应用

标签:国画,诗句,关于

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